Quand les vêtements de danse sont-ils devenus populaires ?

Il y a longtemps, lorsque le ballet était davantage une activité sociale de cour et moins une exhibition, les danseurs portaient leur propre tenue. Ces tenues étaient typiquement les modes élaborées de l’époque, y compris les perruques des hommes et les épées qu’ils portaient toujours à leur côté pendant leur danse. Les femmes portaient des corsets serrés et des jupes paniers. Évidemment, cette tenue ne permettait à aucun des deux sexes de se déplacer librement, ce qui rendait les danses très discrètes et formelles.

Les premiers vêtements de danse

En 1661, Louis XIV crée l’Académie nationale de musique et de danse. C’est à cette époque que le ballet devient une activité professionnelle et non plus un passe-temps de salon. C’est également à cette époque que la technique se complique, impliquant des mouvements de pieds plus rapides et des pirouettes pour les danseuses. En raison du tournoiement, les femmes avaient besoin de vêtements pour éviter que leurs jambes ne soient accidentellement visibles pendant les mouvements. Appelés « tiroirs de précaution », les premiers vêtements de danse ont officiellement vu le jour.

Peu après 1726, Marie Camargo a remplacé ses chaussures à talon par des chaussons plats. Elle a également popularisé les premiers collants de ballet et la courte jupe de ballet qui frôlait les mollets. Les spectateurs appréciaient la grâce et les compétences techniques inégalées de Marie Camargo, rendues possibles par une force physique que l’on disait aussi impressionnante que celle de ses homologues masculins. Sans doute en raison de ce talent unique, ses changements de garde-robe n’étaient pas considérés comme scandaleux ou inappropriés. C’est ainsi que les premiers collants de ballet, les jupes amples et les chaussons sont devenus des vêtements de danse standard.

À la fin du XVIIIe siècle, les vêtements de danse ont encore changé à cause de la Révolution française. Période de changement, cette époque a donné naissance à des tissus légers d’inspiration grecque qui collaient au corps. Un costumier nommé Maillot a perfectionné les collants. Les danseurs apprécient leur liberté de mouvement accrue et le fait que l’absence de formalité matérielle leur permet de mettre en valeur leur technique.

Les vêtements de danse au XIXe siècle

En 1820, le professeur de danse Carlo Blasis a publié un manuel de technique de danse qui est rapidement devenu une ressource très appréciée. Dans ce manuel, Blasis exécutait des poses pour des dessins d’instruction. Il ne portait que des chaussures de ballet et des shorts pour ces images afin de mieux montrer la forme et la technique. Ainsi, les gens pouvaient voir l’impressionnante forme humaine créée lors de l’exécution des mouvements et des poses.

Au lieu de recommander aux autres de porter son ensemble court, Blasis a défini la garde-robe officielle de la danse française, qui comprend les éléments suivants :

  • Une étudiante portant une jupe en mousseline blanche avec une ceinture noire à la taille
  • Un élève masculin portant une veste blanche ajustée, un pantalon blanc et une ceinture en cuir noir avec des boucles
  • Une tenue de danse professionnelle qui mettait en évidence les contours de la silhouette et s’ajustait de façon serrée et lâche à la forme pour faciliter les mouvements.

En 1826, ces recommandations ont été remplacées par la norme des culottes aux genoux et des bas de soie pour les hommes. Le chorégraphe danois August Bournonville, qui avait dansé à l’Opéra de Paris, a inventé sa propre pantoufle pour hommes, appelée pantoufle Bournonville, qui est toujours portée dans tous les ballets Bournonville. Ce chausson pour homme est noir avec une empeigne blanche en forme de V à l’avant. Elle allonge le pied et fait paraître les danses plus définies et plus gracieuses.

En 1844, les tenues de danse parisiennes changent à nouveau. La norme pour les femmes comprenait la tête, les décolletés et les bras nus. Ces danseuses portaient toujours leurs corsages serrés pour définir leur taille, tout en réduisant sans doute leur capacité à respirer librement. Les jupes deviennent de courts bouffants de mousseline ou de filet rayé qui frôlent les genoux. Elles portaient des culottes de calicot pour dissimuler leurs cuisses pendant les mouvements.

En même temps, les hommes ont adopté des gilets blancs courts sans foulard. Leurs culottes étaient également blanches et s’arrêtaient aux genoux. Les hommes continuaient à définir leur taille avec une ceinture en cuir noir.

Dans les années 1870, les jupes des danseuses sont devenues légèrement plus bouffantes avec plusieurs couches. Elles s’étendent également sous le genou dans la forme rendue célèbre par les peintures de danseuses de ballet d’Edgar Degas. Dans les années 1890, les garde-robes des danseuses deviennent à nouveau plus élaborées et compliquées pour répondre aux sensibilités victoriennes. Les chemises féminines se nouaient à la taille avec un ruban délicat. Les dames portaient également un corset à lacets serrés par-dessus, puis un corsage sans manches. Au-dessous de la taille, les femmes portaient des bas à jarretelles en coton avec une culotte en coton et une deuxième couche de culotte bouffante. Les tutus étaient constitués de jupes doubles en tarleton avec une ceinture à la taille.

Quand les vêtements de danse modernes sont devenus populaires

Les vêtements de danse ont continué à évoluer jusqu’au début du XXe siècle, lorsqu’Isadora Duncan a dansé sur scène sans chaussures, bas ou tutus. Elle ne portait que de minces tuniques de style grec. Le style « maillot de bain » d’une seule pièce de la garde-robe de danse pour les femmes est devenu populaire lorsque la nageuse de fond Annette Kellerman a fait son apparition sur la scène sportive à peu près à la même époque. Jules Leotard, un trapéziste, a inventé le justaucorps que les danseurs modernes ont rapidement adopté comme tenue d’entraînement. À l’origine, cette forme s’étendait jusqu’aux poignets et aux chevilles du danseur. La version pour femmes comprenait une jupe courte. Les danseurs d’aujourd’hui portent toujours des tenues d’entraînement et des formes similaires sur scène, mais avec quelques améliorations du costume.